季豐軒畫廊欣然呈獻「金墨無界 — 李華弌近作展」，展出李華弌於2018至2021年間創作的12幅作品，呈現他將金箔媒材融合老練筆墨的高超技巧，造出有無限動力、出人意表的畫面。同時，除了金箔以外，藝術家的媒材運用也延展到銀箔，畫面泛出有如月色的光，充滿傳統中國文人獨有的詩意浪漫。展覽將於2021年11月25日至12月12日在香港中環大館17座F 倉展室中展出。
1948 年生於上海，李華弌是最出色的中國當代水墨畫家之一。他六歲開始學習中國海派水墨，師從上海著名畫家王季眉，十六歲追隨張充仁接受西方素描及繪畫訓練。1982年移居三藩市，1984年於三藩市藝術學院獲取藝術碩士學位。在90年代初，受北宋大師李成（919–967）、范寬（約950–1032）及郭熙（約1020–1090）的啟發，他逐漸建立個人獨特風格 — 紀念碑式的紙本山水。他的作品展示了如何透過當代手法去體現中國畫偉大傳統的蛻變，走向現代化。
到2005年，李華弌的紙本虛幻山水已發展了近十年，他萌發在金屏風著墨的想法。他發覺中國水墨畫有一個掣肘: 畫面的面積放大會令美感流失。於是他開始摸索如何增加作品的體積空間感，令大尺寸的中國畫生動有趣。他嘗試了兩個方向: 一是將卷軸和屏風畫拼合，成為大型「重屏山水」裝置，二則在金屏風上創作水墨畫，以替代紙本。在2008年，他完成了第一幅日本古董金屏風水墨。自此，他的藝途兩路俱發，原有的紙本水墨與運用金箔物料的新手法同步並進。直至2018年，在過去10年間他創作了共4幅金箋紙本和26幅日本古董金屏風作品。
2018年，藝術家進一步挑戰自己，擴大金箔系列的領域。鋪了金箔的屏風表面不容易吸墨，畫家需要一筆一筆勾勒線條，難以發揮灑潑畫風。於是，李氏不再在金箔落筆，改為在京都專家製作的手工絹本上構圖。之後在樹幹和樹枝上貼滿金箔，造出與金屏風畫不同的韻味。這個新手法使畫上的光澤變了從畫中的樹顯現，而非來自畫背本身，令樹身成了奪目的主角。在一些作品上，藝術家用幼沙混進畫面貼了金的部分，營造出理想的質感，增加畫面視覺層次。
雖然這個新創作手法解除了在金屏風表面著墨的限制，讓畫家自由地去發掘更抽象的風格，但這些近作依然保留著金箔系列的核心元素。它們繼續呈現一個充滿著光、無限空間和無盡時間來去的虛幻世界，而如魔術般的表達技巧令這錯覺無比真實。李華弌充滿戲劇性的畫面佈局，提醒了觀者藝術家與解構主義的淵源，同時，他能將現代主義的價值觀有建設性地組合起來，令他超越後現代主義，為中國水墨畫開拓一個全新方向。
雖然李華弌的作品風格融合當代藝術觀念和手法，但他的整體藝術理念一直承載著中國傳統文人畫的核心精神。傳統中國文人畫並非要描繪客觀世界的外貌，而是展示繪畫人本身的氣質，包含他的學識、信念和文化品味，總結他的學養和個人品格修煉。金箔系列裡松樹的形象是個典型實例，它們的形態都注滿優雅和高尚的氣度，而且更被細心地佈置在一個暗示著永生的金色無盡空洞，直指一個德高望重、學識淵博的傳統中國文人的內在精神。每一幅作品都揭開李華弌心中理想世界的一角。在那一個國度，人不斷學習，講究自律，求義求仁，對自然抱理性而謙卑的態度，相信天人合一，和諧共存，而這正是中國文化核心追求的最高境界，建基於中國三大哲學支柱 — 儒、釋、道的影響。
「金墨無界 — 李華弌近作展」
策展人: 馮戈
展場設計: 梁志天設計集團
燈光設計: 關永權燈光設計
展期
2021年11月25日 至 12月12日
場地
大館 F 倉展室
